Многие привыкли к тому, что цветы на картинах художников изображаются в виде букета. Натюрморт с цветами в вазе стал привычным сюжетом, классикой. Однако, в данной работе другая цель — написать отдельные розы, растущие в живой природе. Здесь не будет ни вазы, ни стола. Более того, каждый цветок должен освещаться лучами солнечного света.
1. Светлые силуэты цветов на насыщенном тёмном фоне.
Для того, чтобы озарить эту живопись солнечным светом используется контраст. Светлые силуэты роз расположены на тёмно-зелёном фоне травы, листьев, веток… Фон пишется абстрактно. Мазки краски представляют собой пятна, в общей своей массе напоминающие листья и зелёную растительность. На первом этапе работы создаётся лишь основа, где фон не прописывается подробно и буквально. Контуры отдельных листочков и стеблей роз будут прорабатываться на заключительной стадии живописи.
2. Полупрозрачные лепестки роз, залитые солнечным светом.
Как отдельные лепестки розы, так и весь цветок целиком, имеют свет, полутени, тени, рефлексы. Однако, задача усложняется тем, что сквозь лепестки роз просвечивает солнечный свет. Они выглядят, словно, прозрачные. Поэтому в данной живописи нужно будет соединить светотени с прозрачностью лепестков. Тогда каждый распустившийся бутон розы будет купаться в лучах утреннего солнца.
Лепестки цветка растут вокруг центра по окружности. Там, где на пути света встречаются несколько лепестков, свет сквозь них не проходит. А там, где тоненькая стенка лепестка одна — там она полупрозрачная, и светится напросвет. К тому же края лепестков розы закручиваются в завиток. Такие «рулончики» не могут просвечиваться на свету, а значит они смотрятся темнее и на них можно увидеть светотень. Художнику нужно научиться видеть светотени как на отдельных лепестках и завитках, так и на всём цветке. Распустившиеся бутоны цветов наполовину светлые, а наполовину находятся в тени. Таким образом, мы придаём объём каждой розе.
Свет в данном сюжете имеет тёплый желтоватый оттенок, а значит тени станут холодными (с оттенками синего, фиолетового, зелёного…). Свет и тень всегда находятся в противоположности друг ко другу в плане цвета. Поэтому розовый на свету имеет примеси жёлтого. А розовый цвет в тенях будет иметь оттенки фиолетового, голубого… Таким образом, цвет роз становится не просто розовым, а более сложным, динамичным.
Ещё отмечу, что контуры предметов в живописи (в нашем случае это цветы и листья) не следует делать везде одинаково чёткими. В тенях их лучше растушевать или размыть. А на свету — сделать резкими и чёткими. Подобным образом нужно произвести отбор того, что будет прописано подробно и детально, и того, что следует обобщить. Например, часть лепестков роз я прописываю детально, а часть обобщаю.
3. Акценты и подробности на фоне.
У художников есть такой принцип: вести работу от общего к частному, т. е. от обобщённого к подробному. Те же, кто только делает первые шаги в живописи, наоборот, имеют склонность начинать рисовать с деталей. Однако, такой подход приводит начинающих художников в тупик, потому что занимаясь мелочами и подробностями, они упускают из вида по-настоящему важные моменты. Например, те, кто начинают портрет с детальной прорисовки глаза, после обнаруживают, что глаз оказался «не на своём месте». В результате портрет выходит кривой. Чтобы избегать таких ошибок, художники начинают с общего, а потом прописывают частное — детали и мелочи. Такой подход одинаково актуален как в пейзажном жанре, так и в портрете, натюрморте и других жанрах изобразительного искусства.
Поэтому я применил его и в этой живописи — сначала написал большие массы фона обобщённо и абстрактно. Затем написал детали — сами розы. Ну, а сейчас нужно ввести «детальки» в фон — отдельные листочки и стебли. Масса абстрактных мазков имитирует листву. И мне нужно написать лишь несколько листочков, на которых я сделаю акцент. Обобщённая часть фона уйдёт назад в глубину, а чётко и буквально прописанная часть как бы «всплывёт» вперёд. В этих акцентах я смело использую яркие краски на свету и тёмные краски в тенях. Это усиливает контраст. Маленькой кисточкой аккуратно прорабатываю рисунок стебельков и листочков. Но увлекаться этими подробностями не следует, так как их излишек затмит нужные нам акценты на фоне.
В заключении работы я часто отхожу от холста и анализирую свой труд. Что-то получилось лучше, что-то хуже. Если есть то, что меня принципиально не устраивает, то я исправляю такие места. В среде художников существует мнение, что абсолютной законченности картины не бывает. Всегда есть что-то, что хотелось бы довести до идеала. Но постоянно переписывая холст, его можно просто испортить. Поэтому здесь нужна золотая середина. Анализируя написанные цветы в данной живописи, я прихожу к выводу, что и «общее» и «частное» находится в гармонии друг с другом. Ничего по большому счёту в этой живописи не вызывает сомнений. А значит работа окончена.
Алексей Епишин
Смотрите также:
Тематические уроки и поэтапные видеоуроки рисунка и живописи