Чудесный мир со своими законами и правилами. Мир, изобилующий жизнью, красивый и величественный. Так можно описать то, что видят дайверы при погружении в океан. Однако, это описание в равной мере применимо и к другому миру — зелёному миру леса. Давайте попробуем погрузиться в эти фантастические формы и перенесём их на плоскость холста, который я назвал так: «Солнце. Папоротник. Лес».
Этапы выполнения работы: от общего к частному
Здесь Вы можете проследить как изображение выстраивается от простого к сложному, от большего к меньшему, от общего к частному. Сначала я пишу обобщённо и широко. Затем на основе этих больших масс я импровизирую. То есть обобщённо написанные формы подсказывают мне как писать дальше. Исходя из этого и отталкиваясь от натуры (фотографии), я уточняю изображение и ввожу в живопись детали. С каждым разом эти детали прорабатываются всё подробнее.
Вести работу можно по-разному. Бывает и так, что я не следую вышеописанной последовательности. Но в данной живописи я работаю так, как принято в классической школе — от большего к меньшему.
Строение лесного пространства и игра света
Возможно, кому-то данное выражение будет «резать слух». Но, подбирая слова, я пришёл к выводу, что это выражение наиболее точно передаёт мысль, которую я хочу донести. Тем кто хочет овладеть искусством пейзажной живописи, было бы хорошо обратить на неё внимание. Когда мы рисуем деревья, глядя на них со стороны, например, со стороны поля, то они образуют «стену». Но когда мы зайдём в лес, то деревья будут нас окружать, словно, мы погрузились в пространство под «зонтики». Большие и малые кроны, отдельные ветви, кустарники, стволы деревьев наполняют пространство леса, образуя замысловатый зелёный мир. Известный художник-пейзажист И. И. Шишкин пользовался этим приёмом. Он «вводил» зрителя внутрь леса, от чего его живопись приобретала особый характер. Такой ракурс сложнее изобразить, но он очень интересен.
В пейзаже который я сейчас пишу зритель тоже «входит» в глубину леса. Эта глубина не покрыта мраком, а, наоборот, светится в лучах солнца. Такая игра света является главной идеей данной живописной работы. Дымчатый фиолетово-серый фон представляет собой лес на третьем плане. Находясь против света, он обобщается и приобретает фиолетовый оттенок. Поэтому мы не видим в нём деталей.
На его фоне располагаются освещённые солнцем деревья. Их листва напросвет выглядит как золотисто-жёлтая. Но чем гуще и больше её масса, тем темнее она становится. Поэтому некоторые участки зелени погружаются в тень. Деревья располагаются неравномерно. Более того, одно дерево может немного загораживать другое и т. д. Нижний ярус леса состоит из молодой поросли и кустарника. Преимущественно он находится в тени. Однако, в некоторых местах свет проникает и, как бы, скользит, освещая фрагменты низкорослых деревьев.
На траву первого плана ложатся падающие тени от деревьев. Поскольку на поляне нет ровной плоскости и трава где-то выше, где-то ниже, то и тени будут ложиться неровно. Они повторяют «рельеф» травы. Проецируем тени, проводя условные линии от источника света (солнца в нашем случае) к корню дерева. В результате получаем диагонали, искривлённые неровностями земли. Чётких границ у этих теней не будет. Свет, проходя сквозь листву, достигает земли и освещает траву неравномерно. Поэтому на поляне Вы не увидите ровного освещения как в учебной постановке из гипсовых геометрических фигур. Здесь светотень сложнее. Падающие тени на траве имеют не только диагональное направление. Они также подчинены линейной перспективе. То есть они расширяются вблизи и сужаются вдали, подобно вееру.
На первом плане картины, в лучах солнца эффектно светится папоротник. Некоторая часть этого красивого растения прячется в тени, а часть выходит на свет.
Динамика тёплых и холодных цветов
Напомню, что к теплым цветам относятся жёлтый, оранжевый, бежевый, красный, коричневый. К холодным — фиолетовый, синий, зелёный. Кроме вышеперечисленных цветов среди тёплых и холодных существует огромное множество других полутонов. Эти оттенки также можно отнести к той или иной группе. Названия «тёплый» и «холодный» происходят от ассоциаций или ощущений, которые вызывает соответствующий цвет. Например, синий ассоциируется с простором, морем, ночью, прохладой… А жёлтый ассоциируется больше с огнём, светом, теплом…
Динамикой тёплых и холодных цветов я называю их чередование. Взять, к примеру, зелёный. Он относится к холодным. Но его можно сделать теплее. Если добавить в зелёный цвет немного жёлтого и оранжевого, то этот зелёный станет теплее, чем смесь зелёного с синим. Чередование жёлто-зелёного и сине-зелёного сделает живопись намного выразительнее, чем чередование одного и того же светло-зелёного и тёмно-зелёного. Но это простой пример. В реальной работе оттенков цвета очень много. Поэтому я не хочу сказать, что надо пользоваться именно сине- и жёлто-зелёным. В моей живописи можно увидеть и сине-зелёный, и фиолетово-зелёный, и красно-зелёный… Но в основе этой мешанины цветов лежит вышеупомянутый принцип — динамика тёплого и холодного.
Эта динамика нужна не только для создания живописных эффектов. Она также продиктована характером освещения в лесу. Летнее солнце придаёт всем освещённым поверхностям тёплые оттенки. Всё что находится в тени — приобретает холодные оттенки. Поэтому зелень в моём пейзаже постоянно меняется. Цвет как бы «пульсирует».
Характер мазков краски
Следующий аспект, который я хочу осветить в этом уроке живописи — это технические способы передачи образа. То, как художник работает кистью отражает не только его характер и манеру письма. Движения кисти должны ещё соответствовать тому образу, который нужно отразить. Что я имею ввиду?
В пейзаже есть тысячи мелких элементов, которые невозможно все прорисовать. Поэтому я создаю иллюзию. Например, чтобы изобразить траву я работаю кистью так, чтобы от неё оставались вытянутые вверх продолговатые мазки краски. А чтобы изобразить листву на деревьях, я оставляю мазки, похожие на пятна и точки. Но здесь есть один секрет. Если просто ставить точки и линии, то, естественно, получится условный рисунок, похожий на мультик.
Листва и трава в природе растёт неравномерно, образуя группы или скопления. Эти скопления бывают большими, средними, малыми… А где-то мы увидим отдельные листики и травинки. Поэтому нужно работать мазками краски разного размера. Один большой мазок кистью изобразит большое скопление листьев на ветке. Мазочек поменьше — группу листочков поменьше, и т. д. А где-то можно поставить несколько мельчайших точек — это будут отдельно растущие листочки. Тоже самое применимо и к изображению травы. То есть мы должны ритмовать мазки краски. Они должны быть разного размера. Ну и работать кистью нужно так, чтобы следы от её ворса создавали текстуру, похожую на ветки, листву, траву.., а не были бы просто точками или линиями. Здесь есть много технических нюансов, которые трудно передать на словах. Поэтому смотрите приведённые иллюстрации и видео. Тут нужно почувствовать холст и краски. Почувствовать кисть или мастихин. Причём работать можно и не только ими. Хорошую текстуру даст тряпка, щётка, палочки и, даже, просто палец руки.
Динамика размытых и чётких контуров
Изображая объекты на холсте, я стараюсь не делать контуры везде одинаково чёткими. Возможно Вы обращали внимание, как в художественной фотографии второстепенные детали размываются. Главный же объект остаётся резким или чётким. Этот приём хорошо работает и в живописи. С той только разницей, что размываться может не только периферия вокруг главного. На всей картинной плоскости чёткость контуров можно менять. Например, ствол дерева я пишу таким образом, что его края то размываются, то становятся резкими, то они ровные, то «уходят» в фон. Такое «неровное» письмо создаёт иллюзию реальности, живопись становится больше похожей на жизнь.
Конечно, есть разные манеры письма. Некоторые стили подразумевают чётко прорисованные края. Какие-то художники обладают почерком, в котором контуры делаются жёсткими. Но в традиционной живописной школе принято не «вырезать» силуэты, чтобы живопись не стала декоративной. Я тоже придерживаюсь этой точки зрения. Правил не устанавливаю, но в своей живописи предпочитаю чтобы контуры были разнообразными и динамичными. Если в картине появляется линия , то она должна быть «живой», то есть меняться — уходить в фон, размываться, подчёркиваться, становиться резкой и т. д.
Раскрыв некоторые секреты в работе художника, вернёмся к пейзажу, который я пишу. Как уже было сказано, ему дано название «Солнце. Папоротник. Лес». Картина погружает зрителя внутрь леса. В места нетронутые человеком, в дикую природу, где папоротники и огромные деревья. Но оживает этот холст благодаря солнцу. Солнечный свет словно «включает» особую атмосферу лесного пространства, особое светлое настроение. Поток света озаряет листву и ложится на землю, а отбрасываемые деревьями тени, рассыпаются по траве. Вот такой получился «дайвинг» — погружение в зелёный мир леса.
Алексей Епишин
Смотрите также:
Тематические уроки и поэтапные видеоуроки рисунка и живописи